Nietzsche, Friedrich – Sobre la Musica y la palabra (Fragmento inedito de 1871)

SOBRE LA MUSICA Y LA PALABRA
(Fragmento inédito del año 1871)
Lo expuesto por nosotros aquí sobre las relaciones del lenguaje con

la música debe también ser aplicado por las mismas razones a las
relaciones del mimo con la música. También el mimo, como simbólica
reforzada de los gestos del hombre, es, comparado con la significación
general de la música, un símbolo cuyo sentido interior se nos revela
muy superficialmente, esto es, como sustrato del cuerpo movido por la
pasión. Pero si colocamos el lenguaje en la categoría de la simbólica
corporal y relacionamos el Drama, según el canon expuesto por
nosotros, con la música, comprenderemos claramente una proposición
de Schopenhauer, de la cual hablaremos más adelante. “Podría
admitirse, aunque un espíritu puramente musical quizá no lo necesite,
que el lenguaje de los sonidos, aunque se basta a si mismo y no
necesita de ninguna ayuda, debe ir acompañado de palabras y aun de
una acción plástica, para que nuestro intelecto intuitivo y reflexivo, que
no puede estar ocioso nunca, se ocupe de una manera análoga de modo
que no se desvíe de la música su atención, y lo que los sonidos dicen a
nuestro sentimiento vaya acompañado de una imagen intuitiva, que sea
como un esquema, o como un ejemplo que se pone a un concepto
general: y esto reforzará el efecto de la música” (Schopenhauer, Parega
II, Metafísica de lo bello y estética). Si prescindimos de la motivación
naturalista exterior, coma nuestro intelecto no puede estar
completamente ocioso y el sentido de la música se penetra mejor
asistidos de una acción plástica, tiene razón Schopenhauer en
considerar el drama en relación con la música como un esquema, como
un ejemplo de un concepto general: y cuando añade que la impresión de
la música es reforzada por este procedimiento, apela a la generalidad de
la música vocal, de la unión del sonido con la imagen y la palabra, para
garantizar su aserto. En todos los pueblos la música apareció ligada a la
lírica, y mucho tiempo antes de que se pensara en una música absoluta,
realizó en aquel maridaje sus primeros progresos. Y si comprendemos
esta lírica primitiva de los pueblos como debemos comprenderla, como
una imitación de la naturaleza en su función artístico-creadora,
deberemos considerar como el modelo primitivo de aquel maridaje de
música y lírica, aquella duplicidad en la esencia del lenguaje prefigurada
por la naturaleza, en la cual nos ocuparemos detenidamente después de
haber fijado la posición de la música respecto de la imagen.
En la multiplicidad de lenguas se hace patente el hecho de que la
palabra y la cosa no tienen una relación necesaria, sino que, por el
contrario, la palabra es un mero símbolo. Pero ¿qué es lo que simboliza
la palabra? Pues nada más que representaciones, ya sean éstas
conscientes, o, como ocurre con mayor frecuencia, inconscientes: pues
¿cómo habría de corresponder una palabra-símbolo a aquella esencia
interior, cuyas copias somos nosotros así como todas las demás cosas
del mundo? Esa esencia, ese meollo, no lo conocemos sino por medio de
representaciones, no intimamos con ella más que por medio de
imágenes exteriores: fuera de éstas no hay un lazo que nos una a ella
directamente. Además, todo el conjunto de instintos vitales, el juego de
los sentimientos, de los afectos, los actos de la voluntad, se nos revela –
y en esto discrepo de Schopenhauer–, si examinamos el hecho
atentamente, únicamente como representaciones, no con arreglo a su
esencia; y también tenemos que confesar, que esa misma Voluntad de
Schopenhauer no es más que la forma fenoménica más universal de
algo completamente indescifrable para nosotros. Pero si, según esto,
tenemos que someternos a la dura necesidad de no poder salir del reino
de la representación, sin embargo, en este dominio bien podemos
distinguir dos géneros principales. El primero se nos manifiesta como
sensaciones agradables y desagradables que acompañan
indefectiblemente como un bajo fundamental a todas las demás
representaciones. Esa forma fenoménica universalista, por la cual y bajo
la cual conocemos nosotros únicamente todo devenir y todo querer y
que designamos con el nombre de Voluntad, tiene también su esfera
simbólica en el lenguaje: y esta simbólica es tan fundamental en el
lenguaje como aquella forma fenoménica universalísima para todas las
otras representaciones. Todos los grados de placer y de desplacer –
manifestaciones de algo primordial que no podemos penetrar – se
simbolizan en el tono del que habla, mientras que todas las demás
representaciones son indicadas por la simbólica del gesto. Como quiera
que aquel fondo emotivo es en todos los hombres el mismo, también el
tono fundamental, a pesar de la diversidad de lenguas, es el mismo en
todos los idiomas. De él se desarrolla después la simbólica del gesto,
arbitraria y no completamente adecuada a su fundamento: y de aquí
nace la variedad de las lenguas, cuya multiplicidad debemos considerar,
si vale la comparación, como un texto cuyas estrofas se yuxtaponen a la
melodía originaria de las palabras que expresan ya el placer ya el dolor.
El campo entero de los sonidos consonantes y vocales debe ser incluido
bajo la simbólica del gesto –las consonantes y las vocales, sin el tono
fundamental necesario no son más que posiciones del órgano del
lenguaje, en suma, gestos– ; en el momento en que oímos la palabra
que brota de los labios del hombre, nos imaginamos la raíz de esta
palabra y el fundamento de aquella simbólica del gesto, el tono
fundamental, el tono emotivo, como un eco de las sensaciones o
sentimientos agradables y desagradables. La misma relación que toda
nuestra corporalidad guarda con el fenómeno universalísimo y
primordial de la Voluntad, guarda la palabra consonante-vocal con su
tono fundamental.
Pero este fenómeno de la Voluntad con su escala de sensaciones
agradables y desagradables, alcanza en el desarrollo de la música una
expresión simbólica cada vez más adecuada, y paralelamente a este
proceso histórico se desarrolla el esfuerzo de la lírica para expresar la
música en imágenes: doble fenómeno, que, como acabamos de ver, se
da también en el lenguaje.
El que nos haya seguido de buen grado y con la atención suficiente
en estas arduas consideraciones, concentrando su fantasía –y
completando nuestras expresiones cuando éstas son deficientes o
demasiado absolutas– tendrá ahora, con nosotros, la ventaja de poder
resolver con mejor base algunas cuestiones estéticas que hoy preocupan
y que los artistas modernos se proponen seriamente. Pensemos ahora,
después de sentadas estas premisas, la temeridad que supone poner en
música una poesía, es decir, querer ilustrar musicalmente un poema, y,
por consiguiente, querer ayudar a la música por un lenguaje conceptual:
¡un mundo invertido! ¡Temeridad que yo la compararía a un hijo que
quisiera engendrar a su padre! La música puede crear imágenes que
luego serán meros esquemas, ejemplos, por decirlo así, de su propio
contenido universal. ¿Pero cómo podría la imagen, la representación
engendrar imágenes? Aparte de la cuestión de que ésta estuviera en
estado de engendrar el concepto, o como se suele decir, la idea poética.
Así como del misterioso castillo del músico puede echarse un puente al
campo libre de las imágenes –y el lírico pasa este puente–, el camino
inverso es imposible, aunque haya algunos que crean seguir este
camino. Aunque poblemos el aire con la fantasía de un Rafael, aunque
contemplemos como él a Santa Cecilia, arrobada en las armonías de los
coros celestiales, ningún sonido percibiremos en este mundo perdido
aparentemente para la música, y si nos imaginamos que por un milagro
empiezan a resonar aquellas armonías, ¡la Santa Cecilia, Pablo, la
Magdalena y el mismo coro de ángeles desaparecerían repentinamente!
Dejaríamos al instante de ser Rafael, y así como en aquel cuadro los
instrumentos profanos yacen rotos por el suelo, se disiparía nuestra
visión pictórica, empalidecida, ensombrecida, extinguida, par otra de
orden más alto. ¿Cómo habría de producirse el milagro? ¿Cómo el
mundo apolíneo de los ojos sumidos en la contemplación podría
engendrar de si mismo el sonido que simboliza una estera en que el
mundo apolíneo de la apariencia se extingue y anonada? El goce de la
apariencia no puede engendrar de si el goce de la no apariencia: el
deleite de la intuición el deleite porque no nos recuerda una esfera en la
cual la individuación queda rota y abolida. Habiendo ya en otra parte
definido lo apolíneo en oposición a lo dionisiaco, debemos aquí reputar
por falsa la idea de que la imagen, el concepto, la apariencia tenga la
virtud de engendrar sonidos. Y que para refutarnos no se nos oponga el
músico que compone al presente poemas líricos, pues, por todo lo dicho,
debemos afirmar que la relación del poema lírico con su composición
debe ser siempre otra que la del padre con el hijo. ¿Pero cuál?
Ahora los partidarios de una estética arbitraria nos saldrán al paso
con la siguiente afirmación: “no es la poesía, sino el sentimiento
engendrado por la poesía, el que determina la composición”. No estoy
conforme: el sentimiento, el tono sentimental más o menos marcado, es
precisamente, en el terreno del arte creador, lo no artístico, es más,
sólo su completa desaparición es lo que provoca la contemplación
desinteresada del artista. Pero se me podría replicar que yo mismo he
hablado antes de Voluntad, la cual llega en la música a una expresión
simbólica cada vez más adecuada. Mi contestación, sintetizada en un
principio estético, sería ésta: “la Voluntad es el objeto de la música,
pero no su origen”, es decir, la Voluntad considerada en su universalidad
más extrema, como el fenómeno primordial, bajo el cual se da todo
devenir. Lo que nosotros llamamos sentimiento está ya, respecto de
esta Voluntad, penetrado y saturado de representaciones conscientes o
inconscientes, y, por lo mismo, ya no es objeto de la música: dejada
aparte la cuestión de si ésta lo puede engendrar. Pongamos par ejemplo
los sentimientos de amor, de temor y de esperanza: la música no puede
expresarlos por caminos directos, por lo que llena cada uno de estos
sentimientos con representaciones. En cambio, estos sentimientos
sirven para simbolizar la música, y esto es lo que hace el lírico
traduciendo el mundo de La Voluntad inasequible a los conceptos y a las
imágenes, en el mundo simbólico de loa sentimientos. Semejantes al
lírico son todos aquellos oyentes musicales que descubren un efecto de
la música sobre sus sentimientos: el poder remoto y escondido de la
música evoca en ellos un reino intermedio que, por decirlo así, les
proporciona un gusto preliminar, un concepto simbólico preliminar de la
música propiamente dicha, el reino intermediario de los afectos. De él se
puede decir, con respecto a la Voluntad, objeto único de la música, que
se conduce con respecto a ésta como el sueño analógico de la mañana,
según la teoría de Schopenhauer, al verdadero sueño. Pero de todos
aquellos que sólo pueden comprender la música por sus efectos, hay
que decir que se quedan siempre en el vestíbulo y no consiguen
penetrar hasta el santuario: porque la música, como he dicho, no puede
expresar sino sólo simbolizar las efectos.
Por lo que se refiere al origen de la música, ya he declarado que
éste no puede estar ni está nunca en la Voluntad, sino antes bien en el
seno de aquel poder que bajo la forma de Voluntad engendra de sí
mismo un mundo de visión: el origen de la música está más allá de toda
individuación, afirmación que se explica por si misma con arreglo a
nuestra definición de lo dionisiaco. En este punto quisiera que se me
permitiera echar una mirada sobre las afirmaciones decisivas a que nos
han llevado necesariamente la oposición de lo dionisiaco y lo apolíneo.
La Voluntad, como forma fenoménica originaria, es el objeto de la
música, y en este sentido puede ser considerada como una imitación de
la naturaleza, pero de la forma más universal de la naturaleza.
La Voluntad misma y los sentimientos –como las manifestaciones
de la voluntad ya penetradas de representaciones– son completamente
incapaces de engendrar la música; como, por otra parte, la música es
impotente para expresar sentimientos, tener por objeto sentimientos,
porque su objeto propio es la voluntad.
El que considera los sentimientos como el efecto de la música, ve
en ellos, por decirlo así, un mundo intermedio que le puede adelantar un
gusto por la música, pero que le impide llegar a su más íntimo sagrario.
Por consiguiente, cuando el músico compone una canción lírica, no
se siente excitado ni por las imágenes ni por el lenguaje sentimental del
texto, sino que la elección del texto es determinada por un estimulo
musical proveniente de otra esfera completamente distinta, siendo
entonces la letra una expresión simbólica. Por lo tanto, no se puede
hablar de una relación necesaria entre la canción y la música, pues
estos dos mundos puestos aquí en contacto, el mundo de las imágenes
y el de los sonidos, están demasiado lejos el uno del otro para poder
tener más que una relación meramente exterior; el canto es sólo un
símbolo y está con la música en la relación de los jeroglíficos egipcios de
la valentía con los valientes guerreros. En las más altas manifestaciones
musicales sentimos muchas veces la grosería de cualquier imagen y de
cualquier efecto alegado analógicamente: por ejemplo, los últimos
cuartetos de Beethoven, que se avergonzarían de cualquier
interpretación plástica tomada del reino de la realidad empírica. El
símbolo no tiene ya importancia alguna ante esta esencia divina que
aquí se nos revela; más aún, nos parecería una superficialidad injuriosa.
Y que no se nos reproche que colocados en este punto de vista
pongamos sobre el tapete el último tiempo de la novena sinfonía de
Beethoven, de encanto inexplicable, para hablar de él sin ambages.
¿Quién me podría convencer de que el júbilo redentor ditirámbico de
esta música no es incongruente con la poesía de Schiller, que, como
pálido reflejo de la luna, queda completamente empalidecido por aquel
mar agitado? ¿Ni quién me disputaría que aquel sentimiento no puede
ser expresado por la música, porque incapacitados por ésta para todo lo
que sea imágenes y palabras, no oímos nada de la poesía de Schiller?
Todo aquel alto vuelo, aquella sublimidad de los versos de Schiller, no
hace sino estorbar, incomodar y hasta ofender a la ardorosa melodía
popular de la alegría; pero como el creciente desarrollo de los coros y de
las masas orquestales nos impide oírla, no sentimos la incongruencia. ¿Y
qué estimación hemos de hacer de aquella superstición estética según la
cual Beethoven, en este cuarto tiempo de la novena sinfonía, habría
querido hacer una solemne confesión de los límites de la música
absoluta, y abrir en cierto modo las puertas de un nuevo arte en el cual
la música fuese capaz de expresar la imagen y el concepto por medio
del espíritu consciente? Y qué nos dice Beethoven mismo cuando al
empezar este coro por un recitativo: “¡Oh, amigos míos, dejad ese tono
y entonad un cántico más agradable y más alegre!” ¡Más agradable y
más alegre! Para ello necesitaba el eco persuasivo de la voz humana, el
estilo candoroso del cántico popular. Lo que pide el sublime músico no
es la palabra, sino un sonido más agradable; no es el concepto, sino un
tono más íntimo y gozoso en su anhelo por despertar todas las
potencias anímicas de su orquesta. ¿Cómo se pudo desconocer esto?
Más bien podríamos decir de este tiempo lo que dijo Richard Wagner de
su misa solemne, que era “una obra puramente sinfónica del más neto
carácter beethoveniano”. (Beethoven, p. 47.) “Las voces son aquí
tratadas como instrumentos humanos: el texto, en estas grandes
composiciones religiosas, no está concebido según su significación
conceptual, sino que sirve simplemente como material para el canto y
por lo mismo no perturba el sentimiento musical, porque nunca
despierta en nosotros representaciones lógicas, sino que, con arreglo a
su carácter religioso, sólo pone ante nuestra mente fórmulas simbólicas
de fe, bien conocidas.” Por lo demás, yo no dudo que Beethoven, en el
caso en que hubiera escrito su proyectada décima sinfonía –de la cual
dejó diseños–, precisamente habría escrito la décima sinfonía y nada
más.
Pasemos ahora, tras esta introducción, a tratar de la ópera, para
poder considerar luego su pareja en la tragedia griega. Lo observado por
nosotros en el último tiempo de la novena sinfonía, es decir, en la cima
del desarrollo de la música moderna, que la palabra queda por completo
apagada bajo las olas de un mar de sonidos, no es nada excepcional ni
singular, sino la reforma generalmente seguida en la música vocal de
todos los tiempos, conforme únicamente con los orígenes del canto
lírico. Ni el hombre agitado por la embriaguez dionisiaca, ni tampoco la
masa orgiástica, poseen un oyente al cual necesiten comunicar algo,
como el que supone el narrador épico y en general el artista apolíneo.
Por el contrario, es propio del arte dionisiaco no conocer referencia
alguna a un oyente: el ferviente servidor del culto de Dionisio, como ya
dije en otra parte, solo es comprendido por sus compañeros. Si en
aquellas endémicas explosiones de excitación dionisiaca imaginásemos
un oyente le cabría la suerte que a Penteo, el es-pía descubierto; a
saber: sería destrozado por las ménades. El lírico canta como canta el
pájaro, por una necesidad interior, y enmudecerá si ante él se planta el
oyente curioso. Por esto sería contrario a la naturaleza pedir al lírico que
se preocupe de las palabras de su canción, lo que exigiría un oyente, lo
que no puede pretenderse en modo alguno tratándose de la lírica. Ahora
bien, preguntamos sinceramente, con las poesías de los más grandes
líricos de la antigüedad, si pudieron pensar siquiera hacerse entender de
la multitud por medio de imágenes y conceptos, y rogamos que se nos
conteste a esta sincera pregunta recordando a Píndaro y los coros
esquilianos. ¿Aquellos atrevidos y oscurísimos atracones de ideas,
aquellos remolinos de imágenes eternamente renovados, aquel tono de
oráculo del conjunto, todo lo cual no se puede penetrar debidamente
sino haciendo callar a la música y a la orquesta, todo este mundo de
milagros pudo ser, tratándose del pueblo griego, transparente como un
cristal, una interpretación de la música por medio de imágenes y de
conceptos? ¿Y acaso Píndaro, el maravilloso poeta, habría pensado en
hacer mas clara la clarísima música de su lira con aquellos misteriosos
pensamientos? ¿No debemos pensar más bien en lo que el lírico es
realmente, es decir, el hombre artista que piensa en la música por
medio de la simbólica de imágenes y afectos, pero que no tiene que
comunicar nada a ningún oyente; que, en sus momentos de rapto,
olvida todo lo que pasa a su alrededor? Y así como el lírico sus himnos,
así canta el pueblo su canción, para sí mismo, por un impulso interior,
sin preocuparse de si sus palabras son inteligibles para otro cualquiera
que no cante con él. Recordemos nuestra experiencia personal cuando
se trata del arte musical en sus manifestaciones más altas: ¿qué
entendemos del texto de una misa de Palestrina, de una cantata de
Bach, de un oratorio de Händel, cuando nosotros no tomamos parte en
el canto, sino que simplemente lo oímos? Sólo para los que cantan hay
una lírica, una música vocal: el oyente la considera como música
absoluta. Pero ahora empieza la ópera, según los más autorizados
testimonios con el oyente que tiene la pretensión de entender las
palabras.
¡Cómo? ¿El oyente tiene pretensiones? ¿Las palabras deben ser
entendidas?
***
Poner la música al servicio de una serie de imágenes y de
conceptos, utilizarla como medio para un fin, para su mejor
comprensión y para su fortalecimiento, esta singular arrogancia que
hallamos en el concepto de la ópera, me recuerda la ridícula pretensión
de aquel hombre que quería elevarse por los aires con sus brazos: lo
que pretendía este hombre, como lo pretende la ópera, son cosas
verdaderamente imposibles. El referido concepto de la ópera exige de la
música no un uso indebido, sino –como ya he dicho– ¡una cosa
imposible! La música no puede nunca emplear medios, aunque se la
golpee, se la taladre o se la atormente; como ruido, como redoble de
tambor, es decir, en sus grados más groseros y sencillos vence siempre
a la poesía y la rebaja a un mero reflejo suyo. La ópera, como género
artístico, según el concepto que aquí hemos traído a consideración, no
es solamente una aplicación extraviada de la música, sino que supone
una idea equivocada de la estética. Pero si yo trato aquí de justificar la
ópera ante la estética, claro es que estoy muy lejos de querer justificar
las óperas malas o los poemas musicales inestéticos. La peor música,
frente al mejor poema, siempre significará el fondo dionisiaco, y el peor
poema podrá ser espejo espía y reflejo de este fondo, en la mejor
música: porque ya el sonido aislado, frente a la imagen, es dionisíaco, y
la imagen aislada, con el concepto y la palabra, frente a la música, es
apolínea. Y aun una música mala, unida a un poema malo, nos puede
instar respecto a la esencia de la música y de la poesía.
Por consiguiente, cuando, por ejemplo, Schopenhauer, consideraba
la Norma de Bellini como colmo de la tragedia, en cuanto a música y
poesía, tenía perfecto derecho a pensar así en su excitación dionisiacoapolínea
y en su olvido de sí mismo, porque sentía la música y la poesía
en su valor filosófico más universal, como música y poesía en general;
mientras que con aquel juicio demostraba únicamente un gusto poco
depurado, un gusto anacrónico. Para nosotros, que deliberadamente
apartamos de nuestra consideración toda cuestión sobre el valor
histórico de una obra musical y sólo estudiamos el fenómeno en si, en
su significación invariable y por decirlo así eterna, y par tanto en su tipo
más elevado, para nosotros la ópera como género aparece tan
justificada como la canción popular, en cuanto en las dos vemos la
síntesis de lo apolíneo y lo dionisiaco –nos referimos al tipo más elevado
de ópera, y para las dos admitimos una misma causa de origen.
Nosotros rechazamos la ópera sólo en cuanto ésta presenta un origen
histórico completamente distinto del origen del lied o canción popular;
esta ópera histórica es al género que nosotros defendemos como la
marioneta al hombre vivo. Y así como la música nunca puede ser un
medio al servicio de un texto, sino que siempre se sobrepone al texto,
así, siempre se trataría de una música mala, si el compositor
subordinara toda su fuerza creadora dionisíaca a cada uno de los gestos
y palabras de sus marionetas. El poeta no deberá ofrecer al músico más
que las usuales figuras esquemáticas con su regularidad egipcia, y el
valor de la ópera será tanto más alto cuanto más libremente se
desarrollen los instintos dionisiacos de la música y cuanto más
desdeñosamente trate las llamadas exigencias dramáticas. La ópera
será, en este sentido y en el mejor caso, buena música y sólo música;
mientras que el juego escénico es, por decirlo así, un ropaje fantástico
de la orquesta, y ante todo, de su principal instrumento, el cantante, del
cual aparta los ojos el aficionado inteligente. Cuando la gran masa del
público se complace precisamente en este ropaje tolerando simplemente
la música, se conduce como aquellos que estiman el marco dorado de
un cuadro más que el cuadro mismo: ¿quién se atrevería a justificar
estéticamente semejante extravío?
¿Pero qué significación habremos de dar ahora a la música
dramática en su mayor alejamiento posible de la música pura, de
efectos propios, de la música netamente dionisíaca? Imaginémonos un
drama apasionado que arrebate al espectador y que tenga ya asegurado
el éxito como acción; ¿qué podrá añadir la música dramática, dado que
no quite algo? Pero en primer lugar, sí quita, pues en cada momento en
que la fuerza dionisiaca de la música impresiona al espectador, desvía la
mirada de la visión de los personajes que tiene ante si; el espectador
(oyente) olvida entonces el drama, y sólo vuelve a él cuando ha cesado
el encanto dionisiaco de la música. Y en cuanto la música hace olvidar el
drama, no es música dramática. ¿Pero qué música es ésa que no tiene
fuerza dionisiaca ninguna sobre el oyente? ¿Y cómo es posible esa
Música? Es posible como mera simbólica convencional, en la que el
convencionalismo ahoga toda fuerza natural; como música que se ha
rebajado a la categoría de signo mnemotécnico; y su efecto tenderá a
advertir al espectador de algo que ante el espectáculo del drama, si lo
comprende, no puede pasar inadvertido; de igual modo que un toque de
corneta es para un caballo un estímulo para trotar. Por último habría
también, al principio del drama o en los entreactos o en los pasajes
aburridos o dudosos para el efecto dramático, y aun para sus momentos
culminantes, otra música no menos convencional, que seria como un
estimulante de las personas cuyos nervios estuvieran apagados o
embotados. Yo no puedo distinguir en la llamada música dramática sino
dos elementos: una música retórica y convencional y una música
estimulante de efectos ante todo físicos; y esta música participa del
redoble del tambor y del toque de corneta, como la voz del guerrero que
nos incita a entrar en fuego. Pero el sentido ilustrado que se crea en la
música pura pide que estas dos tendencias abusivas sean
enmascaradas, exige, sí, recuerdos y excitaciones, pero en buena
música que a la vez sea agradable y variable. ¡Qué desesperación para
el músico dramático, que debe enmascarar el ruido del tambor con
buena música, que no ha de producir el efecto de la música pura, sino
un efecto excitante! Y luego viene el público filisteo de mil cabezas y se
regocija ante esta música dramática que se avergüenza de sí misma. El
no nota nada de esta vergüenza y perplejidad; antes bien, siente su piel
agradablemente cosquilleada. A este público se le procura complacer por
todos los medios imaginables; a este público, en el que encontramos al
disoluto epicúreo de ojos apagados por el vicio y que necesita
excitantes; al que se imagina ilustrado y cree haberse aficionado a la
buena música y al buen drama como a los buenos manjares, y que, por
lo demás, no hace mucho caso de ellos; al olvidadizo y disipado egoísta,
al que hay que atraer a la obra de arte por la fuerza y a toque de
corneta, porque durante la representación cruzan por su cerebro planes
ambiciosos de lucro o de placeres. ¡Desgraciado músico dramático!
“¡Olfatea a sus mecenas que se aproximan! Sabe que son fríos e
incultos.” ¿Por qué atormenta para tan torpes fines a las dulces musas?
Y que las atormenta y las martiriza lo confiesa él mismo
descaradamente.
Hemos supuesta un drama apasionado que arrastra a los
espectadores, capaz de producir sus efectos sin necesidad de música; yo
temía que lo que en este drama es poesía y no propiamente acción,
fuera a la verdadera poesía como la música dramática a la música
general: una poesía mnemotécnica y estimulante. La poesía es
empleada como medio para recordar convencionalmente sentimientos y
pasiones cuya expresión es hallada normalmente por verdaderos poetas
que por ello se han hecho célebres. En seguida exigimos que en las
momentos peligrosos venga en ayuda de la verdadera acción, ya sea
ésta una espantosa historia criminológica o una comedia de magia, para
echar sobre ella una especie de púdico velo. Con el vergonzoso
sentimiento de que la poesía es sólo una mascarada que no resiste la luz
del día, pedimos esta poesía dramática para la música dramática; y
como luego el poetastro autor de tales dramas se encuentra a la mitad
de su camino con el músico dramático, con sus admirables dotes de
tamborilero y trompetero y su horror por la música pura que confía en sí
misma y se basta a sí misma, estas dos caricaturas apolíneas y
dionisíacas se contemplan y se abrazan, ¿pobre par de nobile fratrum!

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